Historia del Arte PAU 2026

Enunciado del examen en texto

Texto sacado del PDF oficial. Las fórmulas, tablas y figuras se ven mejor en el visor de arriba.

UNIVERSIDADES PÚBLICAS DE LA COMUNIDAD DE MADRID PRUEBA DE ACCESO A LA UNIVERSIDAD Curso 2025-2026 MATERIA: HISTORIA DEL ARTE INSTRUCCIONES GENERALES Y CALIFICACIÓN CALIFICACIÓN: El examen consta de 4 preguntas: la primera, de respuesta única y las tres siguientes con posibilidad de elección entre opciones u obras. La primera y la segunda puntúan sobre 2 puntos; la tercera y la cuarta sobre 3 puntos.

TIEMPO: 90 minutos.

1. Atendiendo a las imágenes propuestas, identifica cuatro términos artísticos, uno por imagen, aportando una breve definición de los mismos (Puntuación máxima: 2 puntos; 0,5 por cada término)

a)

b)

c)

d)

2. Selecciona uno de estos dos temas y explica sus principales características, artistas y obras más representativas: Arquitectura Gótica en España o Cubismo (Puntuación máxima: 2 puntos; 1 por características principales; 1 por artistas y obras)

3. De los 5 artistas que se proponen, elija 3, explicando su época, características y obras más significativas (se recomienda no más de diez líneas para cada uno): Rembrandt, Gaudí, Gregorio Fernández, Berthe Morisot, Kandinsky.

(Puntuación máxima: 3 puntos; 1 por cada respuesta correcta)

4. Analice una de estas dos obras, atendiendo a los siguientes epígrafes:

a) Identificación: título, autor, cronología, estilo y/o movimiento (1 punto)

b) Comentario formal y estilístico (2 puntos) (Puntuación máxima: 3 puntos)

Imagen 1

Imagen 2

HISTORIA DEL ARTE CRITERIOS ESPECÍFICOS DE CORRECCIÓN Y CALIFICACIÓN

1. TÉRMINOS. El alumno, atendiendo a las imágenes propuestas, debe saber identificar cuatro términos artísticos, uno por imagen, aportando breves definiciones de los mismos para la comprensión de la obra. Se recomienda no superar las cinco líneas por término. La puntuación máxima para la pregunta es de 2 puntos. Esta pregunta es de respuesta única y de carácter competencial.

2. TEMA. Se pretende que el alumno desarrolle uno de los temas propuestos, atendiendo a lo señalado en los epígrafes. La puntuación máxima del tema será de 2 puntos. Se tendrá en cuenta la estructura ordenada del tema y la claridad en la exposición antes que la sucesión inconexa de ideas y datos. Asimismo, se valorará la precisión en el empleo de conceptos y términos. En cuanto a la ortografía y deficiencias de expresión, se atenderá a las normas de carácter general.

3. ARTISTAS. El alumno elegirá 3 de los 5 artistas propuestos, explicando en cada uno de ellos la época, las características y sus principales obras. Se recomienda no superar las diez líneas por artista. La calificación máxima será de 1 punto por respuesta, pudiendo alcanzarse hasta un máximo de 3 puntos.

4. LÁMINA. Se pretende que, en el comentario de la lámina elegida entre la opcionalidad de la pregunta, el alumno identifique, analice y comente la obra seleccionada. Se valorará la determinación del estilo artístico al que pertenece la obra y su correcta ubicación temporal, no siendo precisa la cronología exacta, aunque sí, al menos, el periodo y el siglo o siglos. Se considerarán méritos relevantes la descripción técnica, el análisis estilístico razonado y el empleo de la terminología adecuada. La puntuación máxima será de 3 puntos.

GUIÓN DE RESPUESTAS -HISTORIA DEL ARTE Respuesta 1.a: Contrafuerte Un contrafuerte es un refuerzo vertical adosado al exterior de un muro para contrarrestar el empuje lateral de arcos y bóvedas. Esta pieza estructural es fundamental para desviar las fuerzas horizontales hacia el suelo, permitiendo que las paredes soporten grandes cargas sin colapsar. En el arte románico se presentan como pilares macizos, mientras que en el gótico evolucionan para conectarse con arbotantes, permitiendo muros más esbeltos y luminosos. Su función es garantizar la estabilidad del edificio, actuando como un puntal que absorbe la presión de la cubierta. En esencia, es el "músculo" arquitectónico que sostiene la verticalidad y la ambición de las grandes catedrales.

Respuesta 1.b: claroscuro El claroscuro es una técnica pictórica que emplea contrastes acusados entre volúmenes iluminados y sombras profundas para crear una poderosa ilusión de tridimensionalidad.

Desarrollada en el Renacimiento y perfeccionada en el Barroco por maestros como Caravaggio, busca modelar las formas mediante la luz en lugar de usar líneas rígidas. Su objetivo es guiar la mirada del espectador hacia puntos específicos, dotando a la escena de una carga psicológica y dramática muy intensa. Al hacer que las figuras emerjan de la oscuridad, la técnica aporta relieve, volumen y una atmósfera de misterio que transforma el espacio plano. Es, en esencia, el uso de la sombra como un elemento narrativo fundamental para definir la profundidad y el sentimiento de la obra.

Respuesta 1.c: Perspectiva La perspectiva es el sistema de representación que permite simular la profundidad y el volumen tridimensional sobre una superficie plana de dos dimensiones. Se basa en leyes matemáticas y ópticas, utilizando puntos de fuga y líneas convergentes para replicar cómo el ojo humano percibe los objetos en la distancia. Fue perfeccionada durante el Renacimiento, transformando el cuadro en una "ventana" racional y proporcional que busca imitar la realidad física. Existen diversas variantes, como la lineal, que organiza la geometría del espacio, y la aérea, que utiliza el color y el desenfoque para captar la atmósfera. Es la herramienta fundamental que otorga realismo y orden visual, permitiendo al espectador sumergirse emocionalmente en la escena.

Respuesta 1.d: Hornacina Una hornacina es un hueco de planta semicircular o rectangular practicado en el espesor de un muro para alojar una estatua, una urna u otro objeto decorativo. Funciona como un marco arquitectónico que otorga jerarquía y protección a la pieza expuesta, rompiendo la monotonía de las superficies planas mediante la profundidad visual. Es habitual encontrarla rematada por una bóveda en forma de concha o un frontón, siendo un recurso icónico del lenguaje clásico, renacentista y barroco. Además de su valor estético, permite dirigir la luz y la mirada del espectador hacia puntos focales específicos dentro de una construcción.

En esencia, convierte un vacío estructural en un espacio escénico que realza la importancia artística de lo que contiene.

Respuesta 2: Arquitectura Gótica en España La arquitectura gótica en España destaca por su verticalidad y luminosidad, empleando elementos como el arco apuntado, la bóveda de crucería y los arbotantes para liberar los muros y permitir grandes ventanales con vidrieras. Evoluciona desde la influencia francesa (siglo XIII) hacia estilos más ornamentados como el flamígero o el isabelino.

Artistas fundamentales incluyen al Maestre Enrique (León y Burgos), Juan de Colonia (agujas de Burgos) y Guillem Sagrera (Palma). Sus obras maestras son las catedrales de Burgos (icónica por su silueta), Toledo (corazón del gótico hispano), León (por sus espectaculares vidrieras) y la de Sevilla, que es la catedral gótica más grande del mundo, junto a ejemplos del gótico levantino como la Catedral de Palma o la Lonja de la Seda.

Respuesta 2: Cubismo El cubismo rompió con la perspectiva tradicional al representar objetos desde múltiples puntos de vista simultáneos en un solo plano. Se caracteriza por la geometrización radical de las formas y la fragmentación de la realidad en planos que desafían la profundidad lógica.

Evolucionó desde el Cubismo Analítico (monocromático y complejo) hacia el Sintético, que incorporó el collage y colores más vivos. Sus figuras clave fueron Pablo Picasso, Georges Braque y Juan Gris. Obras como Las señoritas de Avignon (Picasso) marcaron el inicio, seguidas por El portugués (Braque) y el vibrante Retrato de Picasso (Gris). Este movimiento no solo pintó cuadros; reinventó cómo miramos el mundo al entender que la realidad no es una foto fija, sino una suma de fragmentos.

Respuesta 3: Rembrandt Rembrandt fue la figura cumbre del Siglo de Oro neerlandés (Barroco, siglo XVII). Su estilo se define por un dominio magistral del claroscuro, donde la luz no solo ilumina, sino que define la atmósfera y la profundidad psicológica de los personajes. A diferencia de sus contemporáneos, utilizó pinceladas cargadas de empaste (textura espesa) para dar un realismo táctil a las pieles y telas.

Sus obras más universales son La ronda de noche, que revolucionó el retrato corporativo con su dinamismo; Lección de anatomía del Dr. Nicolaes Tulp, por su realismo científico y compositivo; y sus más de 80 autorretratos, que constituyen una crónica visual de la condición humana y el paso del tiempo.

Respuesta 3: Gaudí Gaudí fue la figura cumbre del Modernismo catalán (finales del XIX - principios del XX). Su arquitectura se caracteriza por un estilo orgánico, inspirado en las formas de la naturaleza, evitando las líneas rectas y utilizando estructuras innovadoras como el arco catenario.

Introdujo el trencadís (mosaicos de cerámica fragmentada) e integró magistralmente la forja, la vidriería y la escultura en sus diseños.

Sus obras fundamentales son la Sagrada Família (su obra mística y vital), el Park Güell (donde fusiona paisaje y arquitectura), la Casa Batlló y la Casa Milà (La Pedrera), célebres por sus fachadas ondulantes y simbolismo naturalista.

Respuesta 3: Gregorio Fernández Gregorio Fernández fue el máximo exponente de la Escuela de Valladolid durante el Barroco español (siglo XVII). Su escultura destaca por un naturalismo extremo y una intensa carga dramática, diseñada para conmover al fiel mediante el realismo anatómico.

Introdujo el uso de postizos (ojos de cristal o uñas de asta) y policromías mates para aumentar la veracidad del dolor y el sufrimiento en la madera tallada.

Sus obras más significativas son los Cristos Yacentes (especialmente el de El Pardo), la Piedad (Sexta Angustia) y el paso de El Camino del Calvario, referentes absolutos de la imaginería procesional que buscaban el máximo misticismo y teatralidad.

Respuesta 3: Berthe Morisot Berthe Morisot fue pilar fundamental del Impresionismo (finales del XIX). Su estilo destaca por una pincelada rápida y etérea que prioriza la luz y el movimiento sobre la forma rígida.

Al tener restringido el acceso a los espacios públicos por ser mujer, retrató con maestría la intimidad doméstica, el universo femenino y escenas al aire libre llenas de una frescura y espontaneidad radicales. Sus obras más célebres son La cuna (un prodigio de atmósfera y ternura), Mujer en su tocador y Día de verano. Desafió las normas de su tiempo al exponer en casi todas las muestras impresionistas, demostrando una audacia técnica que incluso influyó a su cuñado, Édouard Manet.

Respuesta 3: Kandinsky Wassily Kandinsky fue el gran pionero del Arte Abstracto a principios del siglo XX, liderando el grupo Der Blaue Reiter. Su obra rompió con la figuración para centrarse en la espiritualidad del color y la fuerza de la línea, liberando al arte de representar objetos físicos. Introdujo el concepto de sinestesia, creyendo que los colores podían "oírse" como notas musicales y las formas tenían alma.

Evolucionó desde un expresionismo lírico y fluido hacia una abstracción geométrica más estructurada durante su etapa en la Bauhaus. Sus obras fundamentales incluyen Primera acuarela abstracta (hito histórico de la no-figuración), Composición VII (su obra más compleja y densa) y Amarillo, Rojo y Azul, un estudio perfecto de equilibrio visual.

Respuesta 4: El éxtasis de Santa Teresa El éxtasis de Santa Teresa es la obra cumbre de Gian Lorenzo Bernini y el símbolo definitivo del teatro barroco romano. Ubicada en la Capilla Cornaro, representa la transverberación de la santa mediante una fusión magistral de escultura, arquitectura y luz natural filtrada. Destaca por la expresión ambigua de la santa y el tratamiento del mármol, que parece transformarse en piel vibrante y nubes vaporosas bajo el cincel. La escenografía, que incluye rayos dorados y palcos con espectadores, convierte un momento místico en una experiencia sensorial que desborda los límites de la piedra. Es la encarnación del bel compuesto, donde lo divino y lo emocional se entrelazan en un clímax de fervor espiritual y realismo físico.

Respuesta 4: La Escuela de Atenas La Escuela de Atenas es la obra cumbre de Rafael Sanzio y el manifiesto visual de la armonía intelectual y espacial del Alto Renacimiento. Situada en el Vaticano, representa una asamblea ideal de los grandes filósofos de la antigüedad bajo una arquitectura clásica de asombrosa profundidad monumental. Destaca por su uso magistral de la perspectiva lineal, que organiza el espacio de forma racional y dirige toda la atención hacia las figuras centrales de Platón y Aristóteles. Cada personaje y gesto está cuidadosamente diseñado para simbolizar las distintas ramas del saber humano y la búsqueda científica de la verdad.

Es la síntesis perfecta entre el pensamiento clásico y el humanismo, celebrando la razón como un valor universal y eterno.