Historia del Arte PAU 2026

Enunciado del examen en texto

Texto sacado del PDF oficial. Las fórmulas, tablas y figuras se ven mejor en el visor de arriba.

UNIVERSIDADES PÚBLICAS DE LA COMUNIDAD DE MADRID PRUEBA DE ACCESO A LA UNIVERSIDAD Curso 2025-2026 MATERIA: HISTORIA DEL ARTE INSTRUCCIONES GENERALES Y CALIFICACIÓN CALIFICACIÓN: El examen consta de 4 preguntas: la primera, de respuesta única y las tres siguientes con posibilidad de elección entre opciones u obras. La primera y la segunda puntúan sobre 2 puntos; la tercera y la cuarta sobre 3 puntos.

TIEMPO: 90 minutos.

1. Atendiendo a las imágenes propuestas, identifica cuatro términos artísticos, uno por imagen, aportando una breve definición de los mismos (Puntuación máxima: 2 puntos; 0,5 por cada término)

a)

b)

c)

d)

2. Selecciona uno de estos dos temas y explica sus principales características, artistas y obras más representativas: Escultura Griega o La Pintura de los Primitivos Flamencos (Puntuación máxima: 2 puntos; 1 por características principales; 1 por artistas y obras)

3. De los 5 artistas que se proponen, elija 3, explicando su época, características y obras más significativas (se recomienda no más de diez líneas para cada uno): Giotto, Marie Louise Élisabeth Vigée Lebrun, Rodin, Le Corbusier, Juan de Juni (Puntuación máxima: 3 puntos; 1 por cada respuesta correcta)

4. Analice una de estas dos obras, atendiendo a los siguientes epígrafes:

a) Identificación: título, autor, cronología, estilo y/o movimiento (1 punto)

b) Comentario formal y estilístico (2 puntos) (Puntuación máxima: 3 puntos)

Imagen 1

Imagen 2

HISTORIA DEL ARTE CRITERIOS ESPECÍFICOS DE CORRECCIÓN Y CALIFICACIÓN

1. TÉRMINOS. El alumno, atendiendo a las imágenes propuestas, debe saber identificar cuatro términos artísticos, uno por imagen, aportando breves definiciones de los mismos para la comprensión de la obra. Se recomienda no superar las cinco líneas por término. La puntuación máxima para la pregunta es de 2 puntos. Esta pregunta es de respuesta única y de carácter competencial.

2. TEMA. Se pretende que el alumno desarrolle uno de los temas propuestos, atendiendo a lo señalado en los epígrafes. La puntuación máxima del tema será de 2 puntos. Se tendrá en cuenta la estructura ordenada del tema y la claridad en la exposición antes que la sucesión inconexa de ideas y datos. Asimismo, se valorará la precisión en el empleo de conceptos y términos. En cuanto a la ortografía y deficiencias de expresión, se atenderá a las normas de carácter general.

3. ARTISTAS. El alumno elegirá 3 de los 5 artistas propuestos, explicando en cada uno de ellos la época, las características y sus principales obras. Se recomienda no superar las diez líneas por artista. La calificación máxima será de 1 punto por respuesta, pudiendo alcanzarse hasta un máximo de 3 puntos.

4. LÁMINA. Se pretende que, en el comentario de la lámina elegida entre la opcionalidad de la pregunta, el alumno identifique, analice y comente la obra seleccionada. Se valorará la determinación del estilo artístico al que pertenece la obra y su correcta ubicación temporal, no siendo precisa la cronología exacta, aunque sí, al menos, el periodo y el siglo o siglos. Se considerarán méritos relevantes la descripción técnica, el análisis estilístico razonado y el empleo de la terminología adecuada. La puntuación máxima será de 3 puntos.

GUIÓN DE RESPUESTAS - HISTORIA DEL ARTE Respuesta 1.a Una pechina no es solo un término arquitectónico elegante; es la solución de ingeniería que permitió que las cúpulas dejaran de "sentirse pesadas" y empezaran a flotar sobre espacios cuadrados.

Origen del término (del latín *pecten*, peine o concha).

Definición técnica: Elemento estructural de forma triangular esférica.

Permite la transición de una base cuadrada o poligonal a una cúpula circular.

Los primeros intentos en la arquitectura romana. Santa Sofía de Constantinopla como el ejemplo definitivo del uso de pechinas. Su uso se extendió en el Renacimiento, el Barroco y la arquitectura religiosa occidental.

Respuesta 1.b Definición como el método para representar una figura que se extiende en profundidad.

Cómo la proyección perpendicular al plano del cuadro altera las proporciones habituales.

Perspectiva aplicada al cuerpo: El uso de puntos de fuga dentro de la anatomía humana.

Superposición de planos: Cómo una parte del cuerpo oculta a otra para generar profundidad.

Líneas de contorno y dirección: El papel de las pinceladas para guiar la mirada hacia el fondo.

La revolución del Renacimiento: Andrea Mantegna y su obra maestra Lamentación sobre Cristo muerto.

Respuesta 1.c La predela es una de las partes de los retablos, concretamente la parte baja o base, donde se desarrollan escenas narrativas y detalles pictóricos y en relieve.

Evolución Histórica: Edad Media, auge de las predelas compartimentadas con marcos dorados que fue desapareciendo a medida que los retablos se volvieron más monumentales o simplificados en el Barroco tardío y Neoclasicismo.

Respuesta 1.d Planta arquitectónica formada por dos naves de igual longitud que se cruzan perpendicularmente en sus puntos medios.

Tienes cuatro brazos iguales que se inscriben a menudo dentro de un cuadrado perfecto.

El enfoque absoluto en el espacio central o "crucero".

Significado: La simetría como reflejo del orden del universo y de Dios. El microcosmos: La idea del edificio como una representación de la creación.

Orígenes Bizantinos y continuación en el Renacimiento con Bramante y Miguel Ángel.

Respuesta 2: Escultura Griega La escultura griega es, posiblemente, el pilar más influyente de la historia del arte occidental. Su evolución desde la rigidez geométrica hasta el naturalismo dramático marcó el estándar de belleza durante siglos.

1. Conceptos Fundamentales y Estética Antropocentrismo: El ser humano como medida de todas las cosas.

La búsqueda de la belleza ideal: Concepto de *Kalokagathia* (equilibrio entre belleza física y virtud moral).

El Canon: La obsesión por las proporciones matemáticas y la armonía.

Materiales y Policromía: El uso del mármol y el bronce, y la realidad de las esculturas pintadas (frente al mito de la blancura).

2. Evolución Cronológica (Las Tres Etapas) Época Arcaica (s. VII - VI a.C.):

* Influencia egipcia, frontalidad y rigidez.

* Tipologías: El *Kouros* (atleta desnudo) y la *Koré* (doncella vestida).

* Rasgos clave: La "sonrisa arcaica" y los ojos almendrados.

Época Clásica (s. V - IV a.C.):

Estilo Severo: El paso hacia el naturalismo y el estudio de la anatomía.

Plenitud Clásica: Equilibrio perfecto, serenidad (*ethos*) y dominio del *contrapposto*.

Época Helenística (s. III - I a.C.):

Ruptura del equilibrio: Dinamismo extremo, teatralidad y expresión del sufrimiento (*pathos*).

Nuevos temas: Infancia, vejez, fealdad y escenas cotidianas.

3. Grandes Maestros de la Escultura Mirón: El maestro del movimiento instantáneo (*El Discóbolo*).

Policleto: El teórico del canon de 7 cabezas y el equilibrio (*El Doríforo*).

Fidias: El escultor de los dioses y de los relieves del Partenón (técnica de los "paños mojados").

Praxíteles: La sensualidad, la humanización de los dioses y la "curva praxiteliana".

Lisipo: El nuevo canon de 8 cabezas y el realismo de los retratos.

4. Obras Maestras Representativas Del Clasicismo: El *Auriga de Delfos*, los *Bronces de Riace* y el *Diadúmeno*.

De la Transición: La *Atenea Niké* y el *Hermes con Dioniso niño*.

Del Helenismo: La *Victoria de Samotracia*, el *Laocoonte y sus hijos* y el *Altar de Pérgamo*.

5. El Legado de la Escultura Griega Influencia en Roma: La copia romana como preservadora del arte griego.

Renacimiento y Neoclasicismo: El redescubrimiento de los cánones antiguos como ideal artístico.

Respuesta 2: Primitivos Flamencos La pintura de los Primitivos Flamencos (siglo XV en Flandes) supuso una revolución visual paralela al Renacimiento italiano, pero con un enfoque basado en la observación minuciosa de la realidad y el perfeccionamiento de la técnica al óleo.

1. Definición y Contexto Histórico Origen del término: Qué significa "Primitivos Flamencos" (la etapa de los "maestros antiguos").

Ubicación geográfica: El florecimiento artístico en los Países Bajos (Brujas, Gante, Bruselas).

El ascenso de la burguesía: Cómo los comerciantes y banqueros sustituyen a la Iglesia como principales mecenas.

2. La Revolución Técnica: El Óleo Jan van Eyck y el perfeccionamiento del óleo: El uso de aceites vegetales (linaza, nuez) como aglutinantes.

Las veladuras: Técnica de capas transparentes para lograr profundidad, brillo y texturas realistas.

Ventajas frente al temple: Mayor tiempo de secado para rectificar y una gama cromática más rica.

3. Características Estilísticas Naturalismo y detallismo microscópico: El interés por representar fielmente objetos, telas, joyas y plantas.

El paisaje y la luz: La invención del paisaje como fondo narrativo y el estudio de la luz natural sobre las superficies.

Simbolismo oculto: Objetos cotidianos que encierran significados religiosos (ej: una azucena representando la pureza).

Innovación en el retrato: La aparición del retrato de tres cuartos y el realismo psicológico de los personajes.

4. Artistas Clave y sus Obras Maestras Robert Campin (Maestro de Flémalle): Considerado el iniciador del estilo (*Tríptico de la Anunciación*).

Jan van Eyck: El gran maestro de la luz y la técnica (*Políptico del Cordero Místico*, *El matrimonio Arnolfini*).

Rogier van der Weyden: El drama y la emoción en la composición (*El Descendimiento de la cruz*).

Hugo van der Goes: El impacto del realismo flamenco en Italia (*Tríptico Portinari*).

Hieronymus Bosch (El Bosco): La fantasía, la sátira moral y el surrealismo medieval (*El jardín de las delicias*).

5. El Legado Flamenco Influencia en el Renacimiento italiano: El intercambio artístico entre Flandes e Italia.

Hacia el siglo XVI: La evolución hacia el manierismo y la obra de Pieter Bruegel "el Viejo".

A diferencia de los italianos, que buscaban la belleza ideal mediante la geometría y la perspectiva matemática, los flamencos buscaban la verdad a través de la observación directa del mundo físico y la luz.

Respuesta 3: Giotto Giotto di Bondone (c. 1267–1337) es la figura central del Trecento italiano (siglo XIV) y el gran renovador de la pintura gótica. Su actividad se desarrolla principalmente en Florencia, Roma, Asís y Padua, en un momento de transición entre la Edad Media y el Renacimiento.

Es el artista que rompe definitivamente con la *maniera greca* (el estilo bizantino rígido y bidimensional) para iniciar un camino hacia el naturalismo. Su obra coincide con el auge del humanismo incipiente y la nueva espiritualidad de las órdenes mendicantes, como los franciscanos, que buscaban una conexión más directa y emocional con lo sagrado.

La principal innovación de Giotto fue la introducción del volumen y la tridimensionalidad en las figuras, dotándolas de una apariencia de peso físico y realidad táctil. Sustituyó los fondos dorados planos por paisajes naturales o arquitecturas sencillas que creaban una ilusión de profundidad espacial (perspectiva intuitiva). Destaca su capacidad narrativa.

Obras más Significativas: Capilla de los Scrovegni (Padua) Basílica de San Francisco (Asís) Madonna Ognissanti Campanile de Florencia Respuesta 3: Marie Louise Élisabeth Vigée Lebrun Vigée-Lebrun desarrolló su carrera a finales del siglo XVIII y principios del XIX, en plena transición entre el Rococó y el Neoclasicismo. Fue la pintora de cámara favorita de María Antonieta, lo que la situó en el epicentro del Antiguo Régimen en Versalles. Debido a su cercanía con la monarquía, tuvo que huir de Francia durante la Revolución Francesa en 1789. Durante su exilio, recorrió las cortes de Italia, Austria y Rusia, donde continuó su éxito profesional. Fue una de las poquísimas mujeres admitidas en la Real Academia de Pintura y Escultura de París, desafiando las convenciones de género de su época.

Su estilo destaca por una elegancia natural que suaviza la rigidez del retrato oficial. Se alejó de las pelucas empolvadas y los corsés excesivos para favorecer un aspecto más fresco y "a la griega", influyendo incluso en la moda de la época. Sus obras poseen una luminosidad vibrante y un manejo magistral de las texturas (sedas, encajes y piel).

Obras más Significativas: María Antonieta con una rosa (1783) Autorretrato con su hija Julie (1786) María Antonieta y sus hijos (1787) Retrato de la condesa Varvara Golovina (1797-1800) Respuesta 3: Rodin François-Auguste-René Rodin (1840-1917) es considerado el padre de la escultura moderna. Su carrera se desarrolló principalmente en la segunda mitad del siglo XIX y principios del XX, en plena transición entre el Academicismo y el Impresionismo. Aunque contemporáneo a los pintores impresionistas, Rodin no buscaba solo la luz, sino la **verdad anatómica y emocional**. Trabajó en una Francia que se debatía entre la tradición de las Bellas Artes y la urgencia de nuevas formas de expresión, logrando finalmente romper con los moldes rígidos de la época para dar paso a la subjetividad del artista.

La escultura de Rodin se define por su capacidad para transmitir psicología y movimiento.

Introdujo el concepto del non finito (lo inacabado), dejando partes del bloque de mármol o bronce en bruto para enfatizar la lucha de la figura por emerger de la materia. Sus superficies son rugosas y vibrantes, diseñadas para que la luz "rebote" y cree efectos de claroscuro (impresionismo escultórico). Rodin priorizó la expresión del sentimiento —el dolor, el deseo o la duda— sobre la belleza idealizada, utilizando la anatomía humana, a veces distorsionada, como una herramienta narrativa pura y cruda.

Obras más Significativas: El pensador El beso Los burgueses de Calais Las Puertas del Infierno Respuesta 3: le Corbusier Charles-Édouard Jeanneret (1887-1965), apodado Le Corbusier, es el máximo representante del Movimiento Moderno y del Estilo Internacional. Su actividad principal se desarrolla entre los años 20 y los 60, un periodo marcado por la Revolución Industrial consolidada y la necesidad de reconstrucción tras las guerras mundiales. Vivió la transición de un mundo artesanal a uno mecanizado, lo que le llevó a proponer una arquitectura racionalista que rompiera con el pasado histórico. Fue miembro fundador de los CIAM (Congresos Internacionales de Arquitectura Moderna), desde donde dictó las reglas que configurarían las ciudades del siglo XX, buscando soluciones al hacinamiento urbano.

Su filosofía se resume en la frase: la casa es una máquina para habitar, priorizando la funcionalidad y la higiene sobre la estética decorativa. Estableció los cinco puntos de la arquitectura moderna: el uso de *pilotis* (pilares que elevan el edificio), la planta libre, la fachada libre, la ventana corrida y la terraza-jardín. Desarrolló el Modulor, un sistema de medidas basado en las proporciones humanas para asegurar que el espacio fuera armonioso. En su etapa final, evolucionó hacia el Brutalismo, caracterizado por el uso del béton brut (hormigón visto) y formas más escultóricas y orgánicas, pero siempre bajo un orden geométrico estricto.

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